Membres 

En tant qu’artiste, Jocelyn Fiset a réalisé ses œuvres nomades et éphémères dans de nombreux événements et plus de dix pays. Ses textes d’opinion ont été publiés dans plusieurs journaux tels que Le Devoir, Le Nouvelliste, Le Soleil et la revue spécialisée en arts visuels Esse. Au fil des ans, il a reçu plusieurs bourses de création et de déplacement du Conseil des arts du Québec et du Canada.

Jocelyn Fiset compte plus de vingt ans en gestion d’organismes culturels et mentorat auprès des jeunes artistes. Il est cofondateur du RAP, en plus d’avoir fait partie de nombreux autres conseils d’administration : Culture Centre-du-Québec, RAAV, Action Art Actuel, l’AADRAV, etc.

Démarche artistique

Depuis près de 25 ans, Fiset n’a pas d’atelier ; il crée en direct sur les places publiques de la planète. À une époque qui ne comprend toujours pas l’urgence de cesser la surproduction dans toutes les sphères de la société, l’artiste a comme ambition de limiter la production d’objets en art pour augmenter la production de sens dans la société.

Lorsque les conditions historiques, sociales, économiques et technologiques changent, l’art aussi doit changer ; c’est pourquoi il propose la création éphémère sur les nouveaux terrains de la dématérialisation de l’art.

Afin de l’aider dans sa mission, il utilise des matériaux qui sont inusités en arts visuels pour créer des œuvres nomades, ludiques et engagées. Ultimement, il cherche à créer une œuvre totale avec peu de moyens et un maximum d’impact !

Joëlle Tremblay est professeure à l’Université Laval depuis 2008. Elle détient un doctorat en Études et pratiques des arts de l’Université du Québec à Montréal (2013) et une maitrise en arts visuels et médiatiques, concentration éducation (2002). Sa pratique artistique a commencé au début des années 1980 avec une expérience de 5 ans de théâtre de rue sur les routes d’Europe, après un diplôme en scénographie de l’École nationale de théâtre (1981). Elle s’est principalement poursuivie au Québec où elle s’est transformée jusqu’à sa forme actuelle. Tremblay s’intéresse aux liens entre l’art et la société, entre l’art et la vie, à la formation des maîtres et à la pratique réflexive de la création (praxis et poïétique).

Démarche artistique

Deux pôles de création caractérisent la pratique artistique de Tremblay, qu’elle appelle « l’art qui relie » : la peinture solitaire dans l’atelier et la création interdisciplinaire collective dans l’espace public. Depuis plus de trente ans, elle privilégie en effet une approche contextuelle et participative par la création de murales, d’interventions performatives, d’installations, d’évènements réalisés in situ avec des communautés et commandés par elles. Relationnelle, la pratique est dialogique et collaborative. Infiltrante, elle déplace l’atelier dans la communauté et les lieux de diffusion des œuvres au cœur des communautés impliquées, insérant une hétérotopie allègre dans les lieux investis.

Il naît le 9 janvier 1953 à Mont-Saint-Hilaire. Dès son plus jeune âge, il se fascine pour le travail des artistes de son voisinage : Ozias Leduc, Paul-Émile Borduas et Gabrielle Messier ont ainsi une influence marquante sur sa sensibilité. Mais c’est définitivement Jordi Bonet qui laisse une marque indélébile sur la vocation artistique du jeune homme, en le prenant sous son aile comme apprenti-sculpteur en 1969.

Après avoir complété ses études en scénographie au Cégep de Saint-Hyacinthe, il se rend en Europe dans le cadre d’un stage avec Joseph Svoboda (Théâtre national de Prague) et Ladislav Vishodile, directeur de l’opération du Théâtre et des Grands Ballets de Bratislava. À son retour, il fonde Les Ateliers Scénographiques et La Boîte du Pinceau d’Arlequin.

Démarche artistique

L’artiste est reconnu pour avoir participé à titre de chargé de projet et de directeur artistique, aux expositions Cités-Cinés, au Palais de la Civilisation de Montréal (1989). La famille de l’an 2000 (1988) au Musée de la Civilisation de Québec. Il a également assuré la réalisation de décors du Pavillon du Québec et du Canada de l’Exposition universelle de Vancouver (1986). Par la suite, de 1992 à 2002, il a travaillé à de nombreux projet de cinéma.

Sa dernière réalisation majeure a vu le jour en 2015, suite à une commande du Domaine de Rouville, grand centre de villégiature. L’artiste y a signé des œuvres inspirées du plein air et de l’activité du centre, qui comprennent 8 toiles peintes, 3 murales en 3D et 1 cadre de scène.

Fascinée depuis l’enfance par la couleur et le dessin, hameau de paix et de refuge, elle poursuit une carrière professionnelle éloignée cependant du milieu artistique, qui sculpte sa vie dès l’adolescence. Son intérêt pour la peinture est alors canalisé dans la fréquentation des musées d’arts visuels ici et à l’étranger, au gré de ses voyages. Beaucoup plus tard, une invitation à découvrir la peinture à l’huile se présente ; c’est un médium qui l’a toujours attiré : elle fait le plongeon dans cet univers qui l’a instantanément séduite. Elle amorce l’art figuratif selon la technique des Grands Maîtres, et cette ouverture à sa créativité l’enchante.

Rapidement, l’appel à découvrir une gestuelle plus spontanée se fait sentir. Scruter les zones inconnues de l’inconscient l’interpelle et elle parvient, par les techniques d’intériorisation et d’émergence, à créer un monde symbolique, surréaliste, empreint de fluidité et de luminosité. Cette nouvelle peinture intuitive, colorée et spirituelle laisse place à l’interprétation personnelle où chaque individu trouve son sens.

Démarche artistique

Cette artiste-peintre de Mont-Saint-Hilaire cherche constamment à découvrir de nouvelles approches et techniques ; elle participe fréquemment à des ateliers de perfectionnement.

C.A. Secrétaire ALPB 2010-2012

Expositions collectives en Montérégie, Montréal ainsi qu’à l’étranger.
Exposition en galerie à Paris ; février 2017 et octobre 2017. Exposition New York en janvier 2017 et exposition solo prévue à New York en avril 2019. Plusieurs distinctions et récompenses recueillies au fil des ans, tant au Québec qu’à l’étranger. Membre AAPARS et CAPSQ actuellement.

Biographie

Julie Cormier est une artiste autodidacte née à Mont-Saint-Hilaire. En 2011, elle découvre une envie de créer au moyen de la photographie, un médium qui lui permet d’exprimer ses émotions en concevant des images qui lui font du bien et qui en font aussi aux autres. Elle a participé à de nombreuses expositions collectives et a fait plusieurs expositions en solo au Québec. Elle a développé sa créativité dans le cadre d’ateliers et de classes de maître aux côtés de photographes de renommée internationale et poursuit son exploration intuitive du monde photographique en voyageant et en s’inspirant d’autres cultures.

Démarche artistique

Depuis plusieurs années, le monde végétal constitue le principal sujet du travail photographique de Julie Cormier intitulé les Abstractions organiques. Décontextualisées, les images créées sont le fruit d’un dialogue entre la nature et ses émotions. Des mouvements en surexposition lui permettent de capter ce qui viendra lui parler, ce qui trouvera une équivalence en elle. Chacune de ses photos et chacun de ses projets photographiques représentent une parcelle de son être, de son âme, un moment bien précis dans sa vie, et ils laissent place à l’interprétation.

Biographie

Originaire de Kamouraska et résident de Mont-Saint-Hilaire, l’art a toujours fait partie de sa vie. La découverte de la sculpture sur pierre se fit en fait à la fin des années 80. Une série de cours privés et un travail autodidacte assidu l’amena à créer et développer un monde particulier. Avec le temps, plusieurs prix et mentions lui ont été remis ici et à l’étranger.

Une participation au Salon National des Beaux-Arts à Paris en 2006 lui ouvrit les portes sur plusieurs expositions européennes. Avec le temps, des œuvres monumentales ont vu le jour. Elles se retrouvent essentiellement dans sa région natale. L’artiste est l’un des membres fondateur de ASPM.

​Démarche

Libérer l’œuvre de la pierre brute est un défi de taille…directe! L’exploration se fit dans plusieurs directions et s’orienta finalement vers les personnages. Il enlève le surplus pour ne conserver que l’essentiel. Le geste, le volume, le regard et libérer l’esprit qui habite la pierre sont les grandes lignes de sa démarche. Ces personnages venus « d’un autre temps et d’un autre monde » vivent parallèlement au notre. Ils sont là , heureux de vivre à travers nous et content de pouvoir s’exprimer ici, librement.

Depuis quelques années, la musique les accompagne et les enveloppe. Une cohésion entre l’histoire de l’humanité, l’astronomie et la physique quantique l’oriente inexorablement vers l’au-delà. 
Au-delà du temps qui s’égrène, qui se déforme ou se transforme, ses personnages affirmeront librement être les témoins d’un temps éternel…

Biographie

Chantal Emond est native des Cantons de l’Est au Québec. Après avoir obtenu ses diplômes en anthropologie, en archivistique et en histoire de l’art de l’Université de Montréal, elle obtient une maîtrise en restauration des oeuvres d’art de l’Université Queen’s à Kingston en Ontario.  Son métier de restauratrice l’a amené à travailler pour des galeries, collectionneurs privés, centre d’archives et pour diverses institutions culturelles au Québec et au Canada et plus récemment pour le Musée des beaux-arts de Montréal. Son métier lui a aussi permis d’étudier et de comprendre diverses techniques en art visuel.

Elle s’intéresse au domaine culturel en général et plus particulièrement à la photographie. Autodidacte, elle a suivi de nombreux ateliers de photographie au fil des années, le dernier étant à l’automne 2019 au Maine Media Workshop (U.S.A.) « Exploring Cyanotype Process ». Elle a exposé en solo à Montréal et elle a aussi participé à plusieurs expositions de groupe.

Démarche

Au début des années 1990, elle entreprend une démarche où elle utilise principalement le procédé à la gélatine argentique. Par la suite, au cours des années, elle expérimente avec différents procédés photographiques anciens. Ce n’est que récemment qu’elle décide de se consacrer pleinement à un ancien procédé photographique du XIX^esiècle appelé cyanotype. Avec ce procédé, toutes les formes qui apparaissent sur le papier sont faites par contact sous exposition aux rayons ultraviolets.  Le papier est au préalable enduit d’une solution. Après exposition, la feuille est développée et les différentes teintes bleutées apparaissent en camaïeu.

Elle est attirée par ce procédé à cause de la profondeur de cette couleur bleue et aussi par l’approche plus artisanale du procédé. Chaque image obtenue est unique et ne peut être reproduite exactement pareille, car de nombreuses composantes ne peuvent être contrôlées et dupliquées, comme la couche de la solution sur le papier qui est appliquée manuellement, le type de papier, le temps d’exposition, la source lumineuse, la méthode d’exposition, les éléments du photogramme et leur disposition ainsi que les étapes du développement.

L’utilisation du cyanotype lui a permis d’étudier et de travailler sur plusieurs thèmes qu’elle n’avait pas traités auparavant et ses photographies actuelles sont plus abstraites et sont inspirées notamment de la cosmographie et de l’immensité stellaire, des formes tribales et archétypales universelles, de la ligne en synergie avec l’esthétique géométrique, des vaisseaux de verre et de l’empreinte botanique.

Biographie

Robert Hébert est historien de la photo, évaluateur d’œuvres d’art pour les musées, commissaire d’exposition indépendant, coordonnateur d’édition de livres photographiques pour les Éditions Cayenne et photographe. Il participe ainsi à des expositions et des événements au Québec et à l’international. Il a une Maîtrise en Études des arts de l’Université du Québec à Montréal (UQAM), un DESS en Gestion des organismes culturels des Hautes études commerciales (HEC Montréal) et un diplôme de 2^ecycle en édition de l’Université de Sherbrooke. Il a été directeur de l’association photographique de Montréal, co-fondateur de la Galerie Mistral, coordonnateur des expositions à la Bibliothèque Eleanor London et organisateur des Rencontres photographiques de Mont-Saint-Hilaire en 2002. En 2011, commissaire invité pour les Rencontres internationales de la photographieen Gaspésie. En 2011 et 2012, directeur artistique des Rendez-vous photo du Richelieu. En 2013, consultant pour une exposition internationale soulignant le 30^eanniversaire du Festival des montgolfières de St-Jean-sur-Richelieu. Depuis 2012, il s’intéresse surtout à l’édition de livres photographiques.

Démarche

Comme artiste, son travail s’articule, d’une part, autour d’une recherche esthétique sur la nature et le passage du temps, et d’autre part, sur des événements inhabituels, naturels ou humains, qui peuvent modifier les liens symbiotiques que l’homme entretient avec la nature. Récemment, sa production photographique a pris une nouvelle avenue en utilisant un procédé ancien, le cyanotype. Il explore ce procédé avec des anciens négatifs ou encore par des photogrammes. L’utilisation de ce procédé confère à ses images une nouvelle dimension en lui imprégnant une aura de mystère.

Virounêka est née en France. Elle vit et travaille au Québec. Son intérêt pour l’art commence tôt. Inscrite aux Beaux-arts à l’âge de huit ans, elle continue de se  perfectionner par des ateliers, par des formations au Canada, en France ou aux États-Unis. Sa formation en arts visuels, en histoire de l’art et en muséologie à l’Université du Québec à Montréal et à l’Université de Montréal lui ont permis d’acquérir une base solide afin d’explorer l’art sous toutes ses facettes.

Certaines de ses œuvres font partie de collections privées tant au Canada qu’en France, aux États-Unis et en Suisse. Elle a consacré beaucoup de temps à développer le talent créateur des autres, recevant des prix pour ses projets collectifs. Elle est membre de l’AAPARS et du RAP.

Démarche artistique

Virounêka est une artiste chercheuse qui explore les rivages de ce monde. Peindre est un regard sur la vie, un outil pour susciter une émotion, une réaction, une conscientisation, une voix et un moyen pour dénoncer des réalités, des situations humaines ou universelles qui méritent un questionnement. De plus en plus, sa quête artistique prend racine dans l’inconscient collectif et la spiritualité en visitant le passé, le présent et les frontières du futur.

Fascinée par les jeux de lumière, les couleurs vives et vibrantes, les paradoxes, elle joue entre le figuratif et l’abstraction, ou une combinaison des deux. Les mots tiennent une place importante dans ses œuvres. Les techniques mixtes lui permettent d’explorer un monde de possibilités en toute liberté.

Peintre autodidacte depuis plus de trente-cinq années, l’artiste réside à Mont-Saint-Hilaire depuis juin 2014. Il a participé à plusieurs expositions collectives et à une exposition duo avec la peintre Sylvia Audet en 2016. Il a été invité comme artiste professionnel à l’événement « Fleurs de Macadam » en 2011 à Aylmer, Québec.

Démarche artistique

L’artiste s’adonne principalement à l’huile sur différents formats. Peintre abstrait, sa démarche artistique se résume à la recherche de la transparente de la couleur avant toute chose. Il entend par transparence la superposition de multiples couches de couleur, jusqu’à 15 applications distinctes, qui lui demandent de travailler sur l’œuvre et d’y revenir après séchage.

Dans un autre ordre d’idées, des aquarelles, des fusains, des sanguines représentent des paysages, lieux de ses voyages.

Slézak est né d’un père français d’origine tchèque et d’une mère québécoise.

Charmé par le Mont Saint-Hilaire et la présence de nombreux oiseaux colorés, il se donne comme défi de créer des ‘’cabanes à moineaux’’ originales qui prendront la forme d’objets du quotidien tels une tondeuse, un téléphone, une bicyclette, etc.

Un jour, des amis lui disent qu’en fait, il fait des sculptures et organisent pour lui une exposition solo à la Maison de la culture Brock de Cowansville, ce qui l’encourage par la suite à aller montrer ses « cabanes » à des galeristes à Montréal. C’est ainsi qu’il présentera de nombreuses expositions solos et de groupe à Montréal, Mont-Saint-Hilaire et Beloeil et dans le cadre de l’événement FUGUE EN ARTS. Il présente actuellement ses œuvres en permanence à la galerie L’OISEAU de Mont-Saint-Hilaire.

Démarche artistique

« Artiste autodidacte ayant toujours aimé le bois avec ses odeurs et ses couleurs, il était inévitable que j’en fasse mon médium de prédilection pour illustrer ma vie avec mes rêves et mes espoirs.

En fait, chaque sculpture devient un nichoir, une cabane d’oiseau. L’oiseau est un symbole, il représente l’homme qui cherche sa place dans l’univers. Je montre que notre quête est constante et infinie. On dit que j’ai du talent et de l’imagination mais malgré tout je cherche encore ma propre place en ce bas-monde, un endroit où trouver le bonheur et la paix. »